Une Tonne !

Les années "Boulette"

--> "the scrap" : la pop-culture des années 2000...

 

 LES FILMS

 

 

BARA NO SOURETSU (A Funeral Procession of Roses)

Au cours d'une rétrospective sur "la ville et le cinéma", j'ai eu le plaisir de voir le premier grand film gay de l'histoire du cinéma japonais: Bara no Souretsu (Funeral procession of Roses)...
Réalisé en 1969 par MATSUMOTO Toshio, le film s'inscrit en plein dans la Nouvelle Vague japonaise - représentée principalement par Oshima Nagisa, Shinoda Masahiro ou encore Yoshida Kiju, dont le monumental EROS+MASSACRE propose une scène d'introduction absolument identique à celle de cette Procession: une scène d'amour au blanc très clair. Ici, il est d'abord très difficile de reconnaître le sexe de l'amant(e), le ou la jeune Eddy (joué par un jeune "host" japonais nommé Peter, dont c'est le 1er film et qu'on retrouvera notamment dans Ran), mais le film n'est pas franchement centré sur l'identité sexuelle...plutôt sur l'identité tout court dans une époque débridée, en pleine mutation, celle de la fin des années 60.



En utilisant les techniques de la Nouvelle Vague (texte très écrit, distanciation, utilisation d'inserts textes) et en jouant sur plusieurs niveaux stylistiques (caméra au poing pour les scènes en extérieur, fixe à la Mizoguchi pour les intérieurs et accélérés sur fond de musique benny hillesque sur certaines digressions comiques), MATSUMOTO parvient à retranscrire cette atmosphère d'apocalypse joyeuse, entre mouvements étudiants, pacifistes ou nationalistes souvent extrêmement violents vus (de loin) comme autant de distractions bienvenues par une classe de jeunes désoeuvrés interlopes, contre culture nourrie à la drogue, au sexe, au jazz et à la littérature française (Baudelaire, Le Clézio même)...



C'est un de ces films mondes qui ne rendent pas tant compte d'une aventure que d'un univers, et il y parvient fort bien...
Ce conte oedipien de jeune homo au père absent qui finit par tuer sa mère et se crève les yeux quand il apprend au final que son amant est son père brasse les questionnements comme on brasse un alcool: l'argent, la morale ou son absence, l'impossible croissance, la contre culture, l'identité et les masques, figure récurrente - voir le maquillage comme protection ici, les perruques là ou la fausse barbe du jeune intello qui se fait appeler Guevara, ou encore l'exposition de tableaux de figures monstrueuses que le héros admire alors que la radio égrène une émission de psychologie jungienne...
Mais c'est surtout dans la peinture d'un milieu qu'il excelle: celui du Shinjuku des années 60 et ses bars à hôtes gays* (plus de 400 aujourd'hui...), des soirées enfumées qui tournent à la partouze (on croirait voir en images la fameuse scène de Bleu Presque Transparent), des jalousies entre "girls" et mères maquerelles, de tous les petits évènements qui font la vie - diurne et nocturne - de ces jeunes "gars dans le vent"...

Le tout sans arrêt nié, moqué, redistancé par une narration cyclique et ironique entrecoupée d'inserts documentaires sous forme d'interviews des acteurs (procédé repris l'année suivante par Imamura dans son Histoire du Japon racontée par une hôtesse de bar)...Les scènes de sexe notamment s'achèvent invariablement "en queue de poisson" par le "CUT" de l'assistant et un travelling arrière qui dévoile les caméras et le plateau alors que les acteurs se rhabillent...



Suite à la sanglante scène finale, un "speakrin" affable tiré à quatre épingles commente d'une voix enjouée "quel triste destin que celui de ce pauvre jeune homme maudit...Ah, et quelle oeuvre! Ce tragique et ce comique savamment entremêlés! Et sur ce, à bientôt chers amis!"

Le film reprend, caméra portée on redescend un couloir sombre, dans la lumière de la rue, le héros énucléé, semblable (encore) à un masque de cire, paraît sous le regard mi amusé mi indifférent de la foule...

Un dernier insert texte: "L'esprit de l'individu atteint son absolu dans la négation permanente"...
Négation et contradiction permanentes qui font de ce film un époustouflant voyage au bout de la nuit... (et un casse tête terrible pour celui qui veut en parler. Mais je vous épargne le gros de mes 3 pages de notes...)


La projection enchaînait alors sur le BULLET BALLET de TSUKAMOTO, que j'avais déjà vu il y a un moment à l'instar sans doute de pas mal de monde ici, je ne me suis donc pas attardé.
Il n'est plus question dans ce Ballet, 30 ans plus tard, de naïveté dans la luxure, de plaisir de jouir et de vivre jusqu'à s'en tuer. Place à l'élégie de la mort et de la douleur comme commencement et fin de toutes choses, et à un monde sans vie qui n'existe plus que par le béton, les parpaings et les pains tout court. La ville a bien changé.

*Marrant d'ailleurs que le conférencier insiste fortement sur la venue de Roland Barthes (l'un des 3 membres de la Sainte Trinité adorée par les universitaires japonais) en 68, dont la visite de ces quartiers gays aurait constitué le meilleur souvenir, en omettant soigneusement de signaler qu'il était lui même de ce bord...

EDIT: il s’agit une production indépendante. Le conférencier n'était pas très disert à ce sujet (à la base c'était un colloque d'architecture), et j'avoue ne pas avoir fait trop gaffe. Il disait juste que MATSUMOTO faisait partie des créateurs "cultes" de l'underground à cette époque, un genre de leader d'opinion si tu veux.. Par ailleurs, c'était une projection dvd, sous titrée. Le dvd est dispo. Noter que MATSUMOTO est aussi réalisateur d'une plus connue adaptation de DOGRA MAGRA ainsi que de Shura
Quelques infos ici:
http://www.imageforum.co.jp/matsumoto/mtm-br.html
ou là comme d'hab:
http://www.imdb.com/title/tt0064068/

 

NIPPON CHINBOTSU (La submersion du Japon)

 

J'ai eu la semaine derniere le "privilège" d'aller voir le blockbuster japonais de l’été : Nihon chinbotsu (« La submersion du Japon »), adaptation d’un roman des années 50 de Komatsu Sakyo, qui comme son titre l’indique décrit la destruction de l’archipel via éruptions, raz de marées et autres séismes et sa submersion finale suite à un effondrement de la plaque tectonique qui le soutient.
Heureusement, un géologue sur le retour et un jeune pilote de submersible scientifique (Kusanagi Tsuyoshi, du boys band SMAP, plutôt molasse) soutenu par son amie secouriste pour les besoins de la love story contractuelle (Shibasaki Kou, bébête mais décidée), vont sauver le pays de la catastrophe via une improbable opération de la dernière chance qui consiste ni plus ni moins qu’à sectionner la plaque tectonique en question par une série d’explosions en chaîne…

Fidèle à son sujet jusque dans ses errements mêmes, le film lui-même « sombre » assez vite dans une accumulation de clichés et d’incohérences qui en fera un met de choix pour les adeptes de soirées « série Z », mais son budget – conséquent – lui permet tout de même d’afficher de très présentables scènes de catastrophes naturelles qui visiblement clouèrent les spectateurs japonais à leur siège. En cela, il est un peu malhonnête car en faisant jouer le ressort de l’angoisse naturelle des Japonais face à ces phénomènes, son réalisateur savait sans doute qu’il avait partie gagnée avant même de l’avoir jouée, toutes les imperfections du film (parfois énormes) passant à la trappe de l’émotion du spectateur japonais face à la matérialisation de cette angoisse naturelle qui relève presque de l’archétype (cette phrase fait mal aux yeux en fait).

Pour le reste, le film reprend les ressorts d’un Day After Tomorrow (Centrer l’action sur quelques héros mais sans oublier le gang de « sympathiques vous et moi » pour l’identification, élargir de temps en temps l’échelle pour montrer que les sous sont là et que tout ça c’est pas de la blague – ahh, l’impuissance de l’homme face aux Eléments -, rameuter le (la) traditionnel(le) chef charismatique et des politiques/généraux butés, montrer un peu de largesse d’esprit en faisant appel à des pays d’ordinaire considérés comme ennemis ou inférieurs, providentielles terres d’asile, sans oublier le bon petit sacrifice final lors de l’ « opération de la dernière chance », les flonflons patriotiques et autres discours larmoyants…) Enfin bref, toutes les ficelles du genre, plus le petit côté naïf et un peu niais du « drama » japonais.

Pour un spectateur étranger isolé dans la salle devant cette improbable pièce montée, le plaisir sera donc plutôt d’ordre comique (pour les abus) et esthétique (pour les effets spéciaux), mais surtout sociologique.

A noter : le film est lui-même un remake d’une autre adaptation datant des années 70, assez amusante pour ses effets spéciaux à base de maquettes en carton, de majokit et de flaques d’eau. Un bon moment, un peu longuet cependant (à l’image de son remake..)

J'ai aussi vu le dernier Ghibli, mais comme j'ai du mal à faire court, j'ai préféré polluer le topic des mangasses...

GEDO SENKI (TALES FROM EARTHSEA)

De passage au Japon avant de prendre la route des Indes, j’en ai profité pour me rafraichir dans une salle obscure pour la sortie de la dernière production du Studio Ghibli, Gedo Senki (Chroniques de guerre de Gedo), adaptation de l'un des volets d'une série de romans d’heroic fantasy d'Ursula Le Guin , Tales From Earthsea, que je n’avais pas l’honneur de connaître, et que le prospectus de présentation du film compare aux Narnia et autres Seigneur des Anneaux (mmh).

En tous les cas, vaguement attiré par le titre épique et les affiches du film (dont l’une semblant librement inspirée d’une toile de Turner - elle-même reprise d’une œuvre de Lorrain pour les 15 secondes de culture confiture), j’étais aussi plutôt curieux de voir ce qu’allait donner le passage de relais du père au fils Miyazaki (Gorô), aux manettes sur cet opus.


Le rideau s’ouvre sur un texte « mythologique » à l’instar d’un bon vieux Seigneur des Anneaux : « Il fut un temps ou les hommes et les dragons vivaient en harmonie. Puis, les hommes choisirent l’eau et la terre, les dragons le vent et le feu, et les deux races furent à jamais séparées ».
S’ensuivent quelques considérations générales, notamment sur la rupture de l’équilibre du monde causée par l’avidité des hommes, puis le film proprement dit débute sur une scène de navire sous l’orage (Turner encore, mais là ca doit être mon imagination…). Deux dragons se battent dans le ciel, et le navire finit par arriver à bon port…

…Dans la capitale d’un pays qu’on devine en proie à la désertification (le bétail meurt dru, les habitants suivent…), dont le roi, brave homme au demeurant, cherche des solutions et interroge son Vieux Sage (marque déposée) sur la conduite à tenir, et sur l’étrange présage que constitue l’apparition des deux sauriens…

Dans un couloir sombre, un coup de poignard met un point final à ses réflexions. « Une ombre file dans la nuit, c’est un assassin qui s’enfuit… » etc, vous connaissez la suite. Noter cependant que l’assassin en question n’est autre que le jeune fils du roi, Allen, et que la structure narrative du film va dès lors se calquer étroitement sur celle de Mononoke Hime (ce qui n’était pas pour me déplaire) : tabou enfreint (le meutre oedipien pour Allen, celui du Tatarigami pour Ashitaka), départ nécessaire (fuite ou rituel à accomplir), les stigmates de la faute (l’Epée du Roi ou la cicatrice sur le bras)… Allen rencontre un mentor en la personne d’Aitaka, vieux magicien qui voyage de province en province pour des raisons inconnues (parallèle encore avec Ashitaka, guidé par l’espion du shogun), et s’engage sur la route de l’exil.

Le rythme est lent, plutôt majestueux, et le style graphique très classique, traditionnel : on a presque l’impression de voir un Ghibli des années 80, cette patte conférant au film un charme désuet qui va bien avec son atmosphère mélancolique, soutenue par une bande son malheureusement assez loin des compositions de Hisaishi (Terashima Tamiya à la baguette).

Le duo passe dans une mégalopole mélange d’architecture grecque et médiévale qui est avant tout une cristallisation des vices de la Cité moderne (drogues, pauvreté, crime, esclavagisme… Là encore, parallèle avec la ville d'Eboshi dans Mononoke Hime), dans laquelle Allen sauve Teru, une jeune fille au visage marqué - symbole des magiciens, caste impure dans cet univers -, mais est lui-même capturé par le Lapin, sbire sorti tout droit de Cagliostro à la solde de la Vilaine de l’histoire, la toute puissante sorcière Kumo (personnage typé Vador ou Palpatine).

Allen, qui l'a mauvaise (pardon....c'était plus fort que moi...), est délivré par son mentor en cours de route, et les deux se réfugient à la campagne, chez une vieille amie du magicien qu’elle appelle Gedo et non Aitaka.

L’explication du concept de Magie tel qu’il a cours dans cet univers faite alors par Gedo est assez intéressante : le pouvoir magique consiste ici à redonner aux choses leur vrai nom (incantations, donc), révélant ainsi leur véritable essence et pouvoir… J’ai pensé alors à cette injonction d’un jésuite à son élève tirée d’Underworld, sympathique roman de Don De Lillo :
« Tu ne voyais pas parce que tu ne sais pas regarder. Et tu ne sais pas regarder parce que tu ne connais pas les noms ».
Ce concept de magie comme force onomastique et vitaliste est d’ailleurs pour moi la trouvaille la plus sympathique du film..

Film dont nous atteignons alors la moitié, et dont la suite sera constituée d’allers retours entre la chaumière des héros et le château de la sorcière, jusqu’à la confrontation finale.
On apprend que celle-ci est à la recherche du Pouvoir Absolu qui lui confèrera la vie éternelle, pouvoir qu’elle propose à Allen – ou « Lebanenn » de son nom magique - de partager avec elle en sa qualité d’Elu (« rejoins-moi du côté obscur », et toute cette sorte de choses).
Bien sûr, ce pouvoir absolu menace l’équilibre du monde, par ailleurs déjà en cours de désagrégation..

Mais lors de la confrontation finale, au cours de laquelle la jeune fille sauvée plus tôt par le héros aura un rôle prépondérant (comme presque toujours chez Ghibli, on a un jeune couple de héros : fertilité, perspectives d’avenir de la jeunesse, etc) , les ambitions de la sorcière sont stigmatisées dans une dialectique humaniste simple (qui a dit « simplette » ?) qui permettra aux héros d’embrayer sur la morale générale du film : le désir de vie éternelle (de la sorcière) ou de mort (d’Allen, qui a tué son père sous l’emprise d’un mal de vivre digne d'Akutagawa et sa « vague inquiétude ») sont deux aspects d’une même maladie, à savoir la peur de la vie et surtout de sa finitude, qui est pourtant la condition même qui lui donne toute sa valeur…

Et sur ces belles paroles, le film s’achève sur des scènes de vie quotidienne campagnarde : labours, repas « en famille » dans la chaumière, etc… (Il y a encore une autre scène, mais j’essaie de ne rien « spoiler » d’essentiel)

On peut peut-être trouver dans cette succession de scènes d’Epinal la morale cachée du film : au diable l’heroic fantasy, les dragons, les rois, les sorcières et les chroniques de guerre épiques ; rien ne vaut les joies simples du quotidien ! La soupe ! Le travail manuel ! Le bon air de la campagne !

Ce qui expliquerait peut être pourquoi le film laisse à l’abandon la plupart des éléments qu’il a d’abord présentés comme constituants de son univers d’heroic fantasy, pourtant prometteurs d’un récit épique à la Nausicaa ou Mononoke Hime qu’on pressentait dans les premières minutes : la question de l’ « équilibre du monde » en péril ne sera finalement évoquée que quelques secondes comme élément-tabou dans la quête de pouvoir de la sorcière, les dragons enluminent l’incipit et la conclusion, et le reste est rapidement effleuré puis relégué dans le décor (la Ville, ainsi, qui semblait proposer un enjeu narratif fort, est expédiée en quelques minutes et ne servira que de contraste à la pureté de la Campagne).
La contradiction entre l’ampleur épique de l’univers et de sa mythologie présentés et ce que nous montre et nous dit finalement le film, cantonné à une échelle minuscule (pas plus, par exemple, qu’une dizaine de personnages actants), ajoutée à la langueur du rythme narratif, interpelle le spectateur : ou est passé le script ? Est-ce une introduction, une conclusion ? Le film n’adapte, il est vrai, qu’un seul volume sur les six que compte l’œuvre originelle.

Son titre lui-même évoquait une « chronique de guerre », on n’aura finalement qu’une petite querelle de magiciens, mais le réalisateur avait vendu la mèche dans la note d’intention qu’on pouvait lire sur le prospectus de promo du film : pour lui, les scènes les plus importantes sont les - nombreux - dialogues entre Allen et Aitaka (transmission de la « sagesse des anciens » aux « jeunes générations »), et l’ univers d’ heroic fantasy n’est donc qu’un enrobage, prétexte à une historiette qu’on pourrait rapprocher des « anecdotes édifiantes » de la tradition bouddhique japonaise, qui vise ici avant tout à faire réfléchir les dites « jeunes générations » sur les problèmes de l’Epoque, leur identité, leurs valeurs et celle de la vie en particulier. Le bon vieux refrain du « retour à l’essentiel », ou plus généreusement, une petite ode à la vie.

(Ce trop-plein d'explicite me rappelait ces mots lapidaires de Barthes sur la musique pompière : "l'art bourgeois veut toujours prendre ses consommateurs pour des naïfs à qui il faut macher le travail et surindiquer l'intention de peur qu'elle ne soit suffisamment saisie" - Dans Mythologies, bouquin très marrant par ailleurs)

Mais en sortant du cinéma, un coup de téléphone de l’autre bout du monde : me voilà tonton, comme Mitterrand.
Difficile de descendre ce film aux si belles intentions dans ces conditions…

Mais tout de même, sacrifier tout ce qui aurait pu en faire la grande fresque épique que tout semblait annoncer pour délivrer finalement une histoire et un message si simples, c’est un pari qui ne passera sans doute pas pour de nombreux spectateurs.

Certes, cette simplicité et cette fraicheur sont agréables après l’hystérie essoufflée (boursouflée ?) d’un Château Ambulant, mais comment ne pas s’interroger sur un hyatus aussi énorme ?
Il fallait ainsi retourner le slogan du film : « Mienu mono koso » (Ces choses qu’on ne peut voir [sont les plus importantes]) : on ne parle pas ici de magie, de dragons et de sombres pouvoirs invisibles à l’œil profane, mais de l’importance des petites choses de la vie, et bien sûr de la vie elle-même.

L’intention est louable, mais le message survivra t-il à la déception du spectateur dont l’œuvre n’aura suscité les attentes de grandeur épique que pour mieux les trahir ensuite ? Rien n’est moins sûr.

 

 

IMPRINT et SICK GIRL

 

…Je viens de voir 2 films de la série controversée de moyens métrages MASTERS OF HORROR.

Le premier, IMPRINT de Takashi Miike, ne présente strictement aucun intérêt.
Sous un prétexte d'île aux plaisirs maudite dans le Japon de Meiji, dans laquelle un Américain s'en va rechercher sa promise qu'il découvre morte dans des circonstances atroces, Miike nous repasse ses plats habituels de tortures aux aiguilles et d'adultères à toutes les sauces.
Le film, clairement tourné pour le marché étranger, ressasse complaisamment les clichés asiatisants; la direction d'acteurs y est catastrophique et le choix de tourner en anglais aboutit à une mixture insupportable de ridicule.
Le réalisateur a sans doute voulu avec cette chose improbable aller au bout de sa démarche: montrer qu'il se fout de tout, et surtout du cinéma.
Mais le vrai problème, c'est que sans l'humour, il ne reste de Miike que les outrances, ce qui est bien peu.

Le second, Sick Girl, réalisé par Lucky McKee (sic), est nettement plus amusant. L'histoire d'une entomologiste lesbienne qui, le jour même où elle parvient enfin à conclure avec la jolie demoiselle qui squatte le hall de son musée, reçoit un étrange insecte qui a tôt fait de semer la zizanie, et en l'occurence bien d'autres choses, dans son couple... Une petite historiette au côté série B assumé et au second degré bienvenu, qui se laisse regarder agréablement pour peu qu'on ne soit pas allergique aux insectes..

 

 

13 TZAMETI

 

…Je viens de voir le polar 13 Tzameti...
Bon et bien cette histoire de jeune maçon immigré attiré dans un "jeu de la mort" m'a laissé froid comme les barbaques que les organisateurs ramassent au sac plastique.
D'abord, la musique d'ascenseur est envahissante et irritante. Ensuite, il y a des trucs un peu gros: le coup de la lettre par la fenêtre, les flics qui relâchent gaiement le gus et la fin est plutôt téléphonée...
Plutôt que sur le petit frisson sadique (plus regardable qu'un Hostel, certes, mais est-ce si différent??) de la séquence du jeu lui-même - beaucoup trop longue à mon goût, j'aurais préféré que l'accent soit mis sur ce qu'il y a autour du jeu (les motivations des joueurs, des parieurs, l'enquête de police surtout...il y avait là matière à faire un bon polar...
Par contre, j'ai bien aimé le jeu des vieux parieurs (y en a un qui ressemblait à José Arthur)

 

 

SILENT HILL

 

Mh, week end placé sous le signe des daubes (plus ou moins) rigolotes avec DESTINATION FINALE 3, HORRIBILIS (pas vraiment mauvais pour le coup, celui là), CUBE 2, CUBE 0, THE DETONATOR, GHOST SHIP et donc pour finir en beauté ce SILENT HILL qui s'annoncait si bien...

J'ai trouvé ca assez amusant mais vraiment très mauvais: le rythme est affreux ( ironie du sort, ce sont les seuls moments qui sortent du cadre du jeu vidéo - ceux du mari- qui détruisent l'atmosphère patiemment mise en place avant qu'on commence à éprouver le 1er frisson...-au final, le film ne fait d'ailleurs jamais peur et ne parvient que rarement à instaurer l'atmosphère de malaise propre à la série-), le coup des indices est parfois acceptable mais souvent ridicule (le moment où elle se met d'office à chercher dans les tiroirs fermés dans l'école et le coup du plan de l'hosto sont pour moi les plus criants), et le film veut tellement respecter les codes du jeu vidéo que ca en devient assez vite risible (le niveau "plateformes", la cutscene de récompense à la fin du niveau "hopital" - "bravo, tu as réussi: tu as gagné le droit de connaître la Vérité"..

Finalement, les points positifs de ce jeu vidéo sans manette sont bien sûr différents selon qu'on est amateur ou non de l'original: pour les fans, le fait de voir ce pot-pourri de séquences de jeu et de "cut-scenes" en qualité "film" sera bien sûr agréable, en plus du plaisir toujours rémunérateur pour l'ego de multiplier les clins d'oeils entendus au "connoisseur" qu'il est..

Pour les non-fans, il restera le plaisir de découvrir un univers assez typé et envoûtant à travers quelques bonnes séquences,

mais au final, quelque soit sa catégorie, pour peu que le spectateur ait le malheur d'être venu voir un film, il n'en ressortira pas satisfait à moins d'être capable de changer son fusil d'épaule pour savourer un bon moment de franche rigolade.. Enfin dans mon cas c'est comme ca que ca s'est passé..

J'ajoute que j'ai eu le malheur de voir la VF (pas de VO dans ma ville) et qu'elle est infâme, et que les musiques, légèrement remixées pour certaines - , sont très jolies, mais ca tout le monde le savait...
Sinon, j'ai trouvé que la plupart des bébêtes en synthèse étaient assez moyennes (décidement la synthèse et son effet "irréel" n'est vraiment pas la panacée pour les films d'épouvante), de même que certains maquillages (la dadame dans son lit à la fin). Le jeu des acteurs est aussi plus que discutable, mais après tout ce ne sont que des personnages de jeu vidéo.

Finalement, on parle sans arrêt de disparition des frontières entre cinéma et jeu, du jeu comme d'un art, etc etc... mais en voyant ce film qui se veut justement respecter point par point les canons du jeu dont il est tiré et du jeu en général et l'échec quasi total sur lequel ca débouche, c'est surtout la mièvrerie générale de ces codes qui m'a sauté aux yeux, et leur côté désespéremment artificiel qui fonctionne uniquement dans le cadre et le temps du jeu vidéo (remember remember, les batteries dans les statues).
Si Silent Hill le jeu - et le jeu vidéo en général- fonctionne bien dans ses emprunts aux codes du cinéma, on peut difficilement en dire autant de l'inverse.

 

LE SOLEIL

 

…Je viens de voir LE SOLEIL, d'Alexandre Sokurov.
Il fallait un réalisateur russe et l'aide de fonds italiens et français pour parvenir à filmer ce sujet toujours problématique au Japon: l'empereur Hirohito et son rôle dans la seconde guerre mondiale.
Plus précisément, le film est centré sur l'empereur durant la période qui suit immédiatement la capitulation japonaise, à l'été 45.
Il trace finalement un portrait relativement indulgent du souverain, passant sous silence l'épineux problème de sa responsabilité dans l'ouverture des hostilités et "l'acharnement thérapeutique" de la fin du conflit.
On nous montre un petit homme étrange, un peu perdu dans un dédale de salles et de tunnels et une étiquette compassée, maintenue envers et contre tout, qui va bien sûr se fissurer au premier contact avec l'Autre, l'américain.
On est très loin de La Chute et de son bunker écrasé par le poids de la haine, et on voit bien qu'ici, c'est celui de la tradition et du non-dit qui écrase l'homme et le pays derrière lui.

Car le film est réellement passionnant dans ce qu'il montre de ce qu'était (et est encore un peu) le Japon et sa mentalité: une combinaison d'ultra rationalisme et d'irrationnel absolu, cristallisée par l'empereur et parfaitement mise en relief par l'arrivée des américains (les face à face avec Mc Arthur sont, en ce sens, palpitants).

L'interprétation magistrale d'Issey Ogata amène aussi sur la fin des scènes franchements poignantes, où l'on voit comment un dieu peut redevenir un homme.

 

 

TAKESHIS

 

Je viens de voir TAKESHIS, le dernier Kitano.
C'est très, très mauvais.
une succession de clins d'oeils et de running gags parfois gentils mais sans grand intérêt. L'alibi de la métanarration ne sauve pas ce grand foutoir longuet, sans queue ni tête et assez vite ennuyeux.
Dommage.

 

 

V FOR VENDETTA

 

J'ai vu V FOR VENDETTA hier..
Je ne connais pas la bd originale, mais comme j'ai lu 1984 j'étais tout de même en terrain très familier (c'est rien de le dire).
EDIT/ oups, pardon, le scénario: dans une angleterre uchronique affublée d'un très seyant gouvernement totalitaire, un homme qui a subi un TERRRIIIBLE outrage un 5 novembre ("remember remember the fifth of november" ..hem) revient d'entre les morts pour se venger. Avec un masque à moustache figé dans un rictus moqueur. Et Nathalie Portman (croisée dans la rue).

Là aussi, bien que ca veuille dénoncer le totalitarisme et le tout sécuritaire et prendre une posture idéologique, ca manque la cible car c'est fait de manière vraiment très lourde.. (vous me remettrez un kilo d'homos brimés, de news détournées, de couvre feu, d'expériences eugéniques, de complots "on vous ment on est méchants" et "le vrai vilain terroriste n'est pas celui qu'on croit", etc etc)
Je ne suis pas trop fan des films à héros masqués, et celui là n'échappe pas à la règle avec son lot de petites, moyennes et grandes incohérences et invraisemblances sensées passer parce que "baaaahhh, c'est du comics quoiiii"..
Il y a là quelques scènes d'action mais vraiment rien d'extraordinaire, et c'est toujours sympathique de voir un univers à la 1984, mais bon là non plus le tout ne casse pas trois pattes à un canard grippé...
Dans le genre, celui là fait un peu mieux que le rigolo EQUILIBRIUM, hommage un rien trop appuyé à la SF selon Godard et Truffaut...

(Ca reste aussi bien mieux que le glacial THE DAY AFTER TOMORROW, vu just before, dans le même genre du "blockbuster à message". Apprécier la portée et la finesse de la charge écologique à l'aune du nom du réalisateur: Roland Emmerich. Ahh, là aussi, on brûle des livres, mais faut bien se chauffer quand dehors la glace prend à la vitesse de la lumière)

 

 

 

SOLARIS, STALKER

…Hier j'ai vu SOLARIS de Tarkovski. Je vais pas tartiner mais c'est vraiment très très beau et encore plus interessant. En plus, ca a clairement influencé des tonnes de films de SF et de ...jeux video (Silent Hill 2 énormément je pense, jusque dans la manière de découper les plans et de montrer Maria/Hari, et bien sûr dans l'histoire, + les rpg de Takahashi -Xeno/-, plutot dans l'ordre du gimmick par contre)

J'en ai vu un autre de lui, STALKER, qui est encore plus beau: je vous les conseille tous les deux. Par contre, il faut aimer ce qui est lent, avec de longues plages de silence entrecoupées de longs dialogues plus ou moins métaphysiques...

Pour mémoire: SOLARIS (1972) est une planète autour de laquelle gravite une station spatiale. La planète a d'étranges pouvoirs et semble avoir la capacité de sonder l'esprit des cosmonautes pour ensuite matérialiser dans la station des éléments de leur conscience. Il y a eu un remake pas mal avec Clooney il y a quelques années, mais vraiment l'original est beaucoup plus beau et vaste.

STALKER (1979) est l'histoire d'un type (le "Stalker") qui gagne sa vie en guidant des gens dans un endroit interdit d'accès à la suite d'une catastrophe nucléaire. L'endroit est paradoxalement une sorte de paradis originel à la végétation luxuriante, et il y guide deux personnes: l'Ecrivain et le Professeur. S'ensuivra une sorte de voyage intérieur dans la conscience des trois personnages, reflétée par les magnifiques décors. C'est très beau et la scène finale a sûrement influencé quantité de films SF ultérieurs...

 

 

JARHEAD

 

…J'ai vu JARHEAD tout à l'heure.

Du travail, carré, mais rien de neuf sous le soleil du Koweit. Rien, en tous cas, qui n'ai déja été dit dans les films précédents auxquels se réfère souvent celui de Sam Mendes, au demeurant bien convenu et paresseux derrière sa caméra.
Le message de l'embrigadement de jeunes écervelés partis et conditionnés pour faire la guerre et condamnés à ne (presque) pas la faire enregistré, on attend plus d'informations que les deux ou trois allusions obligées aux dessous du conflit, lui même bien déréalisé: pour filmer des corps calcinés , Mendes aurait pu revoir la magistrale HARPE DE BIRMANIE d'Ichikawa et cette sensation hallucinante et solennelle de proximité avec la mort qu'il dégage, avant d'improviser ses gentillettes séquences de conversation entre pot en terre (cuite) et pot en fer (le fameux 'jarhead'). Pour le reste, quelques allusions au manque d'identité d'une guerre écrasée par le poids de son aînée, quelques coups de crasse entre troufions et courses en sac sous le soleil, le tout filmé si serré qu'on en perd toute sensation d'espace ou de vraisemblance: 'war in the pocket' en somme, à la sauvette entre deux dunes et trois puits de pétrole...
(Je n'ai pas trouvé très fines les allusions à Apocalypse Now: les marines s'extasient devant les hélicoptères à l'assaut comme de bons petits chiens de guerre, et hop on coupe avant qu'ils n’aient le temps de se souvenir que le film traite de la folie des hommes envoûtés par la guerre. Bien sur, le spectateur lui s'en souvient et est sensé se dire: ouh! les lourds! Mais c'est un peu gros quand même, tout comme la manière d'interrompre DEER HUNTER et de souligner en gras la métaphore lourdingue...STARSHIP TROOPERS faisait ca, paradoxalement, bien plus finement.)


En bref, je trouve que finalement ce JARHEAD échoue à montrer les spécificités de ce conflit (il les montre certes, mais à la sauvette, comme un minimum syndical), et n'opère au final qu'un changement de décor tout en reprenant les thèmes et les moyens de ses glorieux ancêtres...mais j'oubliais la "métaphysique" moralité : "every war is different, every war is the same" (presque un slogan, mine de rien)

 

 

 

 

LES SERIES

 

 

BATTLESTAR GALACTICA (2003-)

 

…Je débarque sûrement du néant sidéral du retard, mais enfin j'ai vu le pilote de la série BATTLESTAR GALACTICA (3h !) : très intéressant et entraînant. Le scénario a des petits relents de 11 septembre (la série, remake de celle de 1978, est diffusée à partir de 2003…rien d’étonnant donc) : Dans un univers futuriste, les humains sont attaqués par les robots (talibans ? ouhla!) qu’ils ont eux-mêmes créés…Leurs planètes (des « colonies » à la Gundam) sont détruites, il ne reste qu’à fuir grâce au vaisseau qui a servi lors de la première guerre contre les Cylons (les fameux robots) 40 ans plus tôt, le Galactica. Evidemment, comme dans toute série SF moderne (à la Babylon 5), l’intrigue est pimentée par pas mal d’éléments secondaires bien machiavéliques : les fameux cylons peuvent désormais prendre forme humaine, l’une d’entre elle a d’ailleurs séduit un scientifique vaniteux pour accéder au réseau central de la défense, ce qui leur a permis d’écraser les humains en deux coups de cuiller à pot. Ledit scientifique se retrouve d’ailleurs sur le Galactica, engagé comme « expert es cylons », ce qui ne manque pas de sel… Le pilote s’achève sur la fuite des 50000 derniers humains vers une autre galaxie, à la recherche de la mythique « 13ème colonie », une planète légendaire appelée…Terre. Evidemment, les Cylons, qui sont bien décidés à en finir avec les humains et ont quelques espions infiltrés sur le Galactica, ne vont pas lâcher le morceau…

Pour l’instant, la série me plaît beaucoup : une ambiance à la Babylon 5 mais peut être plus sombre (logique vu le côté tragique « épée de Damoclès » du scénario), un univers et une intrigue à la Xenosaga, mais en plus cohérent.
Les acteurs sont pas mal, le doublage aussi, et les effets spéciaux en synthèse sont très crédibles pour de la qualité « série ».
Je suis assez emballé, reste à voir comment ca évolue...

PS: je viens de voir le premier épisode...c'est toujours aussi prenant: on retrouve la flotte humaine, dont les équipages n'ont pas dormi depuis 120h car les vaisseaux cylons apparaissent systématiquement toutes les 33 minutes, ce qui oblige les humains à effectuer de bons vieux bonds dans l'hyperespace toutes les demi-heures... Du coup, l'épisode a un rythme saccadé et halluciné plutôt bien troussé...
il y a aussi le petit génie scientifique responsable de l'anéantissement des colonies, qui continue à discuter avec sa "petite amie" cylon qui lui apparait en hallucination visuelle, et tout ca sent le bon petit double jeu, d'autant que les autres espions cylons ne sont pas forcément ceux qu'on croit...C'est fou cylon y pense! (hem...)

 

/…/

 

Comme prévu, j'ai continué à voir le remake de BATTLESTAR GALACTICA jusqu'au dernier épisode diffusé à ce jour, soit le 2nd de la 3eme saison.
Eh bien je dois dire que j'adore ça.
En dehors de 2 épisodes vraiment risibles vers le milieu de la 1ère saison (ceux du vaisseau Cylon "organique" piloté par Starbuck), qui laissaient craindre le pire pour la suite, le tout se révèle vraiment prenant et bien construit. (EDIT: j'"oublie" aussi volontairement un épisode de la 2eme saison qui semble pompé sur celui de la maison du Sagittaire dans Saint Seya...Hem)

Lors de la seconde saison, on ne voit quasiment aucun Cylon, l'attention étant portée sur les difficultés qu'éprouvent les "restes" de la race humaine à vivre ensemble dans un environnement confiné, avec tout ce que ca implique de suspicions, d'oppositions politiques, économiques, sentimentales - le Galactica devenant vite une sorte de lupanar géant -, etc...

Comme tout au long de la série, les évènements ont une furieuse tendance à évoquer des situations réelles sur le mode du "toute ressemblance avec...", et c'est parfois sacrément osé - surtout pour un public US - notamment lorsqu'on parle d'élections truquées ou du bien fondé de commandos suicides....
Vu le pitch de départ de la série, on a aussi évidemment tout un questionnement éthique sur la génétique et le droit de la créature a s'émanciper de ses maîtres qui je trouve passe franchement bien, même s'il aurait gagné à être un peu plus développé (le point de vue des Cylons n'étant pas assez souvent dévoilé à mon goùt). Il y a aussi quelques "plot holes" et autres incohérences notamment dans les discussions entre persos, mais rien de bien méchant..


De plus, la fin de la 2eme saison voit un twist énorme qui permet à la 3ème de débuter sur une situation historiquement très connotée<SPOIL!!>d'occupation</SPOIL!!> et de jouer sur tous les ressorts socio-politiques d'un tel environnement ...

Evidemment, il reste quelques relents habituels de chantage à l'émotion et d'éloge de la "grande famille héroïque" bien américaine (qui a vu World Trade Center?), mais ca reste très largement supportable vu le niveau de qualité de la série en général, et d'auto-critique parfois..

Au final, on est en face d'un BABYLON 5 plus intimiste, actualisé et engagé, et personnellement j'adore...

 

 

NADIA, THE SECRET OF BLUE WATER (sic)

 

…Je viens de voir pour la première fois la série NADIA (dans la série vieux motard que jamais...)
Eh beh c'était bien sympa, frais et tout et tout...
Vers la fin, les passages "sans transition" entre scènes comiques et très graves font un effet un peu schizo, mais sinon c'est vraiment sympa...J'ai surtout aimé le petit côté "huckleberry finn", les inventions de Jean (dommage qu'elles se raréfient..), et les personnages de
Glandis (hem) et ses deux comparses.
(tiens d'ailleurs, le jeu GRANDIA ressemble furieusement à l'univers de NADIA: il y a du staff commun? - EDIT/recherche google: bravo Sherlock...)

 

 

 

LES LIVRES

 

 

CARLOS CASTANEDA

 

…Pour finir sur Castaneda: En effet, il est parti en tant que chercheur (universitaire) en anthropologie faire une enquete sur ce Juan. C'est d'ailleurs amusant de voir la confrontation entre la démarche universitaire cartésienne de Castaneda et la gouaille de l'indien fondée sur l'expérience. Castaneda est initié peu à peu, la drogue n'étant en effet qu'un instrument révélateur utilisé très parcimonieusement au début parce que le chercheur était beaucoup trop enraciné dans ses certitudes d'universitaire pour faire le cheminement sans elle dans les premiers temps.
Le cycle de la formation débute avec VOIR, se poursuit avec LE VOYAGE A IXTLAN, puis HISTOIRES DE POUVOIR, LE SECOND ANNEAU DE POUVOIR et LE DON DE L'AIGLE (pour ces trois derniers, Castaneda est bien avancé dans son enseignement, percevant à son tour le fameux "pouvoir" dont parle Juan et la capacité de "stopper-le-monde" ).

En dehors de l'expérience mystique dont on pensera ce qu'on veut (tout ce volet étant à prendre avec des pincettes puisqu’on n’est même pas sûrs que Castaneda n’ai pas inventé toute l’histoire, et le « personnage » de Juan lui-même), les enseignements de Juan recèlent un certain nombre de vérités premières qu'il est bon d'avoir à l'esprit, même pour la vie quotidienne. Il y a aussi d'excellentes informations pour tous les marcheurs.

Bref, c'est intéressant. Un petit extrait du VOYAGE A IXTLAN est disponible dans la collection FOLIO 2€ sous le titre STOPPER-LE-MONDE.

 

IN DEFENCE OF ENGLISH COOKING, CARTE MUETTE, CARPENTER’S GOTHIC

En apéritif, je viens de lire In defence of English Cooking, un petit penguin savoureux de George Orwell, visionnaire comme toujours dans divers essais sur le nationalisme, l'art sous régime totalitaire ou...la cuisine anglaise..

Ensuite, en hors d'oeuvre j'ai opté pour un petit roman de Philippe Vasset, Carte Muette, assez intriguant bien qu'un peu irritant: il s'agit du récit d'un géographe qui répond au défi lancé dans un concours par la toute puissante entreprise SPEEDIAL, leader mondial de l'accès au net: établir une cartographie complète du web. benjamin@geosolutions.com, aidé de marc@instantmap.com, brillant cartographe, puis de plusieurs autres coll@borateurs, se lance donc dans l'aventure. On comprend vite que le récit donné par le narrateur est un compte rendu "à postériori" de l'entreprise, et le livre lui même se présente sous la forme d'extraits d'emails (à la manière d'un PARASITES de Murakami Ryu) entrecoupés de monologues un brin irritants car particulièrement pompeux dans lesquels les métaphores virtuelles s'enfilent comme des perles... Qu'importe, le postulat est amusant (évidemment, on pense à la Carte Parfaite de Borges), la manière de procéder aussi malgré de grosses invraisemblances pour peu qu'on en connaisse un minimum sur le fonctionnement d'internet, et le tout finit mine de rien par poser des questions essentielles et par soulever des perspectives plutôt effrayantes. En plus, c'est lu en une demi-heure...

Comme plat de résistance, je vous propose l'excellent Gothique Charpentier de William Gaddis, qui vient de reparaître en français chez Christian Bourgeois (J'avais personnellement opté pour la V.O à l'époque, Carpenter's Gothic donc).
Un grand roman américain, avec tout ce que ca comporte d'intrigue foutraque et de dialogues fignolés aux petits oignons, mais là j'ai la flemme alors vlan pour la présentation de l'éditeur:

Une maison sur les bords de l'Hudson dans l'Etat de New York. De style " gothique charpentier ", elle imite les grandes maisons victoriennes. Les acteurs de ce huis clos tout en dialogues se rassemblent autour de Liz, femme au foyer, moderne vestale des valeurs américaines, de la radio, de la télévision et du téléphone. Son mari, son frère, son amant entrent et sortent, tissant plus serrés, à chacun de leurs passages, les fils de l'intrigue qui finiront par former le cordon d'une bombe qui pourrait bien être celle qui fera exploser la planète. Séquelles de la guerre du Vietnam, poussée impérialiste des multinationales, renaissance d'un évangélisme obtus et dangereux, liaisons entre cercles politiques et économiques, William Gaddis aborde, dans ce chef-d'œuvre tragi-comique, les grands thèmes de l'Amérique d'aujourd'hui.

 

EXEMPLAIRE DE DEMONSTRATION

 

Pour continuer sur mon dernier post, EXEMPLAIRE DE DEMONSTRATION de Philippe Vasset rentre peut être dans ce que tu cherche, Iggy (en lisant ce 2ème roman de lui, j'en ai vraiment eu ma claque: le gars choppe un bon sujet, puis se sent obligé d'enrober autour dans un style ampoulé au possible pour faire "grand écrivain" qui ne délaisse pas les sujets actuels.. C'est dommage car les pitchs - ceux qui font PLOC! quand on les presse très fort - de ses romans sont plutôt sympas...)

 

YAMAMOTO NAOKI

En trainant dans quelques librairies peu recommandables au Japon, je me suis souvenu de ce manga que j'avais adoré il y a quelques années: ASATTE DANCE, de YAMAMOTO Naoki, qui est de très loin mon auteur favori dans le genre...

J'adore ses "chroniques sociales" qui mélangent milieux, thèmes et types sociaux quotidiens à des situations, rebondissements et personnages complètements aberrants, son style un peu cracra et son humour potache qui rappelle un peu le Cabu des débuts (celui du duduche)...

Environnement quotidien "réaliste", casting mélangeant personnages plus ou moins normaux et excentriques complets, intrigues sociales et amoureuses "matures", humour particulier, plutôt adulte, style graphique un peu "négligé" et surtout une bonne dose de sexe sont les éléments incompressibles des oeuvres de Yamamoto, qui a commencé sa carrière à la fin des années 80 et dessine toujours aujourd'hui, pour un lectorat évidemment très différent de celui des grosses productions (ses oeuvres sont classées dans les rayons "sub culture" ou "mangas d'art")

En fouinant un brin, j'ai trouvé d'autres titres de lui, aussi jouissifs que ce bon vieux Asatte Dance:

ARIGATOU, 4 vol. : chronique d'une "famille japonaise type", sauf que...la mère boit, les soeurs laissent des inconnus investir la maison et abuser d'elles, et le père, de retour de mission dans le nord du pays, est un allumé notoire qui va tenter à sa façon de recoller les morceaux... Evidemment, on est loin des clichés du genre, et il n'est pas question de happy end, mais la fin, inspirée du Il était un père de Ozu, est étrangement poignante...

KIWAMETE KAMOSHIDA, 6 vol. : chronique lycéenne complètement barrée... le héros est un gnome insupportable qui se retrouve à partager la chambre de la "fille modèle" du lycée... comme d'habitude, Yamamoto s'en donne à coeur joie pour repeindre à sa sauce tous les clichés du genre: les amourettes sont hyper hard, les habituels "profs à problèmes" forcent sur la bibine et les taloches et abusent gaiement d'élèves d'ailleurs le plus souvent consentantes, le héros drogue sa colocataire pour l'abuser mais s'endort en court de route, se fait violer par un vagabond homo qui se révélera futur prof au lycée, etc etc....


BOKURA GA MINNA IKITEIRU, 4 vol. : l'histoire originale est de ISHIKI Nobuyuki, et a aussi été adaptée au cinéma. Le manga met en scène des salary men japonais en mission au Turkestan, un état fictif à l'ambiance très "république bananière" avec son dictateur militaire, ses rebelles, ses coups d'état, ses pauvres et sa jungle... Les braves représentants de la Japan Inc. tentent de décrocher, via moultes bagshish et flatteries, de juteux contrats avec la junte pour construire ponts et autres infrastructures et réempocher ainsi l'argent envoyé à titre d'aide humanitaire par...le Japon. Là encore, les clichés des expatriés japonais en proie aux difficultés d'un pays inconnu, exotique, pauvre et en guerre sont revisités version trash par Yamamoto, et c'est vraiment très, très jouissif..

Je conseille donc à ceux qui n'ont pas lu Asatte Dance de jeter un oeil sur la série (7 vol. , chez Tonkam), et sur ses autres oeuvres pour ceux à qui ca aurait plu et qui lisent le japonais.

Parmi ses autres oeuvres, signalons aussi HAPPA64, ANJU NO CHI et BELIEVERS - excellente variation sur le thème des sectes- , et aussi FRAGMENTS et HOTTA qui sont moins scénarisées et plus érotiques (si c'est possible) que les oeuvres précitées.. Yamamoto publie par ailleurs pas mal de nouvelles érotiques, qui sont pour la plupart bien sympathiques (mais j'aime moins, car le scénario n'y est évidemment plus l'essentiel... cf recueils BLUE, GAKKOU, O uchi ni tsuku made ga ensoku desu, etc...)


J'aimerais bien trouver d'autres mangas plus matures que la moyenne et un peu décalés dans le style de ceux de Yamamoto, mais ce n'est pas évident...si vous en connaissez, je suis preneur!

 

 

 

LES JEUX

 

 

SHADOW OF THE COLOSSUS (PS2)

Wander, morne plaine…



Passées les premières minutes d’émerveillement devant cet univers onirique et éthéré (trop, on le verra), on est assez vite pris d’une angoisse qu’on pourrait presque qualifier d’existentielle : qui suis-je ? que fais-je ? pourquoi suis-je ?
Perdu dans ces mornes plaines, dans cette immensité aux teintes minérales, élément indésiré et indésirable d’un univers auquel on restera à jamais désespérément étranger, et ce à tous points de vue.
On recherche dans cet univers pétrifié quelques miettes de chaleur, de plaisir ludique. On ne les trouvera jamais, car tel n’était sans doute pas le but des créateurs de cette élégante construction. Mobile fragile en suspension dans l’air, que le moindre souffle de vent peut emporter à tout moment, telle est la première impression esthétique laissée par l’œuvre, qui parvient par ailleurs à mettre ses faiblesses techniques au service de la beauté fragile dégagée par cette nature inviolée (ainsi des cahots dans l’affichage, ou des retards dans les effets de lumière), à l'esthétique assez proche du LAPUTA de Miyazaki.

Or, « Essai d’esthétique », « étude chromatique » ou « démonstration mathématique » : tous ces qualificatifs peuvent s’appliquer à ce monstre de maîtrise qu’est Wander. Tous sauf celui de « jeu », qui sous-entend une notion visiblement oubliée par les « créatifs » de l’œuvre, celle de divertissement. Divertissement qui passe, dans le jeu vidéo, par deux critères qui vont ou non de pair : un contenu narratif et une interaction.
La présence en qualité d’un seul de ces éléments peut suffire à la réussite d'une oeuvre, mais Wander pêche par des manques criants dans les deux domaines : manque d’enjeu narratif qui soustrait au joueur le plaisir d’une histoire, manque de variété et de rythme dans les aspects purement interactifs de l’œuvre, qui la rend apathique et désincarnée de tout plaisir « physique ».

Dans leur course à l’épure, les concepteurs ont délaissé en chemin toute notion d’enjeu et de contexte : le joueur est jeté dans le vaste monde sur des bases et avec une mission qu’il ne parvient pas, faute de passion ou plus simplement d’informations en volume suffisant, à faire sienne. Pourquoi diable s’échiner pour cette fille que l’on ne connaît pas, et que dès lors on ne parvient pas à aimer ? Pourquoi obéir à cette voix tombée du ciel et partir assassiner ces Colosses sur lesquels on ne sait rien, et que dès lors on ne parvient pas à haïr ? A la limite, ils sont plus à plaindre qu’autre chose, pauvres créatures dont on viole l’espace vital, dont on dérange la marche aveugle et innocente (c’est évident dès la première rencontre avec l’un de ces tristes bisons), et qu’on s’en va gaillardement égorger pour une cause qu’on ne comprend même pas…

En route, les créateurs chercheront à combler ce manque de données dans une courte séquence narrative très elliptique qui vient apporter quelques éclaircissements sur l’enjeu des évènements. Malheureusement, les indices donnés se révèlent trop voyants, et le caractère inhabituel et unique de la séquence suggère au joueur d’y chercher la réponse : une personne disposant d’un minimum de sens de déduction découvrira bien vite le pot aux roses, du moins dans ses grandes lignes, et dès lors, finira par se désintéresser complètement de cette quête dont il sait son avatar n’être que le pion d’autres puissances à l’œuvre. Ainsi, la longue séquence finale, très lourdement démonstrative et explicative puisqu’elle doit apporter toutes les informations qu’on a précédemment, dans un souci d’épuration, négligé de partager, ne vient que confirmer au joueur l’inanité de sa quête. La sensation d’impuissance évoquée plus haut est bien involontairement soulignée par les dernières séquences « jouables » de l’œuvre, dans lesquelles on se débat, pantin désarticulé, contre l’implacable Fatalité…


Par ailleurs, la mécanique même des affrontements qui forment le cœur de l’oeuvre trahit leur inanité : les créatures, souvent variations sur un même thème (le bison donc, l’oiseau, le golem et quelques autres), fonctionnent selon des schémas de mouvements relativement semblables, et surtout qui manquent cruellement de variété au sein d’un même affrontement, en dehors peut-être des deux derniers d’entre eux. On aurait aimé plus d’évolution, ou des variations plus importantes qu’un simple changement de direction ou accélération lors du même affrontement, qui finit par se résumer, dès la « faille » comprise, à une succession de mouvements frustrants et répétitifs, que la majesté des bêtes ne suffit pas à gommer.
Certes pas, puisque nous sommes là sur deux plans extrêmement différents : celui du plaisir ludique, physique que procure le « jeu », et celui du plaisir intellectuel, conceptualisé que procure l’admiration d’une belle œuvre.

Car le vide ludique de Wander, et c’est là un aspect tragique qu’il partage avec bien d’autres productions actuelles, contraint le joueur à tricher avec lui-même, à se créer un plaisir strictement intellectuel en l’absence de tout stimulus physique. C’est le plaisir de l’amateur d’art qui, face à un tableau, cherche à ressentir les sensations physiques qu’il se plait à décrire, à vouloir, mais dont les sens refusent désespérément d’obéir aux commandements de son cerveau : jouissez ! jouez ! ressentez ! Leur ordonne-t-il ; mais rien ne vient. Dès lors, le seul plaisir qui reste passe par une dialectique de l’hyperbole.

 

/…/

 

Les textes restants n’étant présents qu’à titre de souvenirs et ne présentant qu’un intérêt moins que minime, je vous engage à vous arrêter là…

 

 

FINAL FANTASY 12 (PS2)

Fini FF12 hier soir, 70h de jeu environ, Level 52 pour mon trio gagnant...
Sentant ma motivation pour les mini-quêtes en baisse, j'ai rallié le dernier niveau pour finir le jeu tout de même avant de passer à autre chose (OKAMI).

Sur les quelques derniers dongeons et le long "tunnel" de cut scenes finales, on sent une certaine volonté d'en finir, et ca devient parfois assez laborieux...
Le final est correct, mais la manière dont on tombe nez à nez avec le boss au sortir d'un ascenseur laisse un peu perplexe. On le lamine fastoche pour peu qu'on ai fait un peu de gonflette (ce que tout le monde a fait au moins "involontairement" via les mini-quêtes), et boum c'est la fin, très convenue mais pas trop trop niaise et pas désagréable...

Le script principal et la manière de le dérouler m'ont rappelé Xenosaga 2: l'intrigue principale est très courte, peu de "temps forts" (même sur la fin, on sent que la tension monte mais sans arriver à un climax), et on pourrait lui faire les mêmes reproches qu'à ce dernier si la démarche n'était pas radicalement opposée: dans Xenosaga 2 tout est centré sur le scénario, il n'y a pas grand chose autour et il est donc inadmissible qu'il soit aussi "maigre", alors que dans FF12, tout est fait pour étoffer l'univers autour et donner envie au joueur de s'y aventurer en délaissant l'intrigue principale, resserrée pour ne pas vampiriser le jeu, et au final ca marche très bien comme ca...

On a certes un peu l'impression d'être en dehors des évènements: la guerre fait rage tout autour, mais le groupe de Ashe, un peu comme dans l'oeil d'un cyclone, n'est pas souvent directement au coeur de l'action. On entend des récits de bataille, on arrive dans des lieux en ruine ou tout juste détruits ou occupés (cette partie très Star Wars du début étant celle qui fonctionne le mieux), mais le front semble assez lointain, voire absent. En somme, Ashe (et le joueur donc) poursuit son petit bonhomme de chemin à l'ombre de la grande Histoire (jusqu'au bout où on raccroche les wagons de manière assez expéditive), mais ceci est un point d'ambiance mineur, et à la limite il fallait ca pour permettre au joueur de conserver une certaine liberté d'action et de déplacement..

A la limite, on pourrait reprocher la faiblesse du dernier niveau et de ses boss: les faire un poil plus résistants aurait encouragé le joueur a poursuivre encore un peu sur les mini-quêtes et mobs..là, une fois constaté qu'on lamine facile jusque dans le dernier niveau, on a moins envie de passer encore 10 ou 20 heures sur les à côtés (à moins d'être un geek maniaque du contrôle et de vouloir "tout compléter"...malheureusement pour moi je n'entre pas dans cette catégorie de joueurs)


Mon impression globale sur le jeu est très positive: sur tous les plans (gameplay, scénario, réalisation), c'est solide, complet, carré, dynamique et agréable sans être lourd ou trop niais. Classique mais fignolé aux petits oignons. Du coup, ca manque un peu d'inventivité, de "folie", mais ce n'était sans doute pas le but, et ce parti-pris de classicisme évite l'esbrouffe de productions Konceptuelles pseudo-originales mais creuses au final et la grandiloquence pompière des rpg "tout scénario".

...Au final, dans ce FF12 qui s'apparente à un MMORPG adapté pour les standards des joueurs console (cad simplifié et doté d'un script linéaire), les heures défilent sans qu'on s'en rende compte, on passe un long et bon moment, et personnellement ca faisait longtemps que ca ne m'était pas arrivé. Donc, bravo!!

 

RYÛ GA GOTOKU (YAKUZA) (PS2)

…je reviens juste de quelques semaines de vacances bien méritées au Japon, ou je suis tombé par hasard sur le bien nommé RYU GA GOTOKU, que j'ai terminé il y a quelques jours (18h au compteur): j'ai vraiment pris un plaisir énorme à jouer à ce jeu, ca faisait bien longtemps ! (après coup, je suis tombé sur une pub pour le jeu, et j'ai vraiment eu l'impression que l'accroche était faite pour moi: "pour ceux qui aiment le jeu vidéo (bon là passons), pour ceux qui sont lassés du jeu vidéo" (les slogans japonais, ils tombent toujours à plat...je ne sais pas comment ils font. Enfin bref, l'idée générale correspondait bien à mon état d'esprit...)

Ce sympathique jeu codé avec amour par des concepteurs visiblement passionnés (un peu trop peut être, mais en cela ils sont surement en parfaite adéquation avec le public visé) s'adresse sans doute aux personnes répondant à la définition suivante:

aimer les films et séries de yakuzas "années 70" ou "direct to video" (réalisation: Fukasaku ou Miike et interprétés par Wakayama Tomisaburô, Watari Tatsuya -qui prete d'ailleurs sa voix au doyen Kazama- ou plus proches de nous Takeuchi Riki), aimer les jeux simples (les combats sont à ce titre exemplaires: agréables, instinctifs, très violents et pleins de punch: on ne s'en lasse pas..), et surtout les univers bien travaillés (le quartier de la ville, à l'atmosphère vraiment bien rendue avec ses conversations dont on saisit quelques bribes au passage, ses salary men saouls, ses petites frappes, ses djeuns écervelés qui cherchent des clodos à cogner, ses pouffiasses en mal de "one night stand", etc etc....). Il conviendra aussi de ne pas être trop regardant sur le scénario, qui vire vraiment au grand-guignolesque sur la fin (avec retournements de situation, complots alambiqués et "survivances" improbables aux explosions et coups de feu, etc..sans atteindre néanmoins le délire des derniers MGS), et il conviendra si possible de maitriser à peu près convenablement la langue japonaise vulgaire (non simplement "orale": j'ai bien écrit "vulgaire") pour apprécier à sa juste valeur le travail sur les personnages et la gouaille dont ils font preuve, de la petite frappe croisée dans la rue au parrain yakuza, en passant par la pouffiasse de cabaret qui cherche à vous faire boire, le flic fatigué et le technocrate hautain...


Rien de révolutionnaire dans le jeu et sa progression, mais le soin mis à retranscrire l'univers trouble des quartiers chauds des villes japonaises et des personnages louches qui gravitent autour force l'admiration, pour peu qu'on ai la capacité linguistique de les comprendre.
Les nombreux évènements annexes et mini-quêtes qui parsèment la ville et apportent une diversion bienvenue à l'intrigue principale sont d'ailleurs autant de prétextes à dépeindre les personnages, situations et interactions qui caractérisent cet environnement si particulier, et les auteurs ne se privent d'ailleurs pas d'en profiter pour aborder, sous l'angle du jeu, des problèmes sociaux réels (tabassage de sdf, prostitution infantile, perversions sexuelles, exploitation des employés, etc)
L'aire de jeu délimitée par le quartier reconstitué semble assez limitée de prime abord (d'autant qu'à quelques exceptions près, tout le jeu se déroulera dans le périmètre), mais on est vite surpris par le nombre d'actions à accomplir, de lieux à visiter, de personnes avec qui communiquer; et cette limitation permet par ailleurs au jeu d'éviter l'écueil d'un shenmue aux "grands espaces inutiles", quartiers énormes dans lesquels seuls quelques bâtiments ont un intérêt dans le jeu.. Ici, n'importe quel point de la carte est accessible en moins de deux minutes (plus un ou deux combats aléatoire vite réglé pour se défouler un brin), et cette proximité contribue pour beaucoup au rythme très soutenu du jeu..


Le non japonisant aura quant à lui au moins le plaisir d'une aventure rythmée, sans temps mort, et d'une plongée assez cinématographique dans l'univers des yakuzas...
Je ne saurais cependant conseiller ce jeu aux personnes qui n'auraient pas un niveau conséquent en japonais, et j'ai bien peur que comme SIREN avant lui, la traduction ne lui rende guère justice, et qu'il rejoigne à son tour le coin des "chefs d'oeuvre incompris"...

PS: Quelques considérations en vrac pour finir. On évoque souvent l'analogie avec SHENMUE (c'est peu ou prou la même équipe), mais je crois que la ressemblance s'arrête au soin apporté à l'environnement décrit: pour le reste, le jeu est bien plus rythmé, bien plus "direct" dans sa prise en main et son déroulement.
Quant à parler de "SHENMUE adulte", bien que RYU GA GOTOKU soit moins "gnan gnan" et moraliste que son prédecesseur, il jette tout de même un voile chaste sur les aspects les plus sordides de l'univers qu'il s'attache à décrire (la drogue notamment, totalement absente, malgré son importance actuelle dans le système économique de la pègre), et le jeu s'arrange aussi pour donner en toutes circonstances le beau rôle au héros, Kiryû Kazuma, brossant un portrait bien improbable d'un yakuza quasi "gendre idéal" (c'est très visible dans les sous-quetes ou l'apprenti du héros lui demande de l'aider à faire son boulot de yakuza: récupérer des "dettes", etc : les scénaristes s'arrangent toujours pour que les commercants pressurés soient en fait véreux, ou pour que la fille qu'on s'apprête allègrement à culbuter soit en fait une arnaqueuse qui cherche à vous rouler..). En bref, le monde yakuza décrit dans le jeu, et qui gravite autour du héros est régi par des codes d'honneur et de "morale" qui le rattachent plutôt à celui des années 70, avant l'arrivée en masse de la drogue qui changera profondément la société souterraine. Mais comme le jeu se déroule tout de même dans le Japon d'aujourdhui, on ressent un léger hyatus, qui a d'ailleurs peut être été en partie prévu par les concepteurs, qui ont utilisé pour contrer ce paradoxe le stratagème consistant à présenter un héros sorti de 10 ans de prison, et donc lui même "anachronique" et en proie à une société qui a évolué en son absence....

 
GYAKUTEN SAIBAN (DS)


Finalement, la grande découverte de l'été aura été, 3 siècles après tout le monde, cette petite merveille de GYAKUTEN SAIBAN...
Une fois ingérée l'idée qu'il ne s'agit pas d'une simulation d'avocat mais d'une simulation d'avocat dans un monde capcom, donc régi par les règles capcom ("les incohérences jamais tu ne relèveras", "l'invraisemblable fait loi", "la logique tu abandonneras" et autres "la batterie dans une statue se cachera"), on prend un grand plaisir à suivre les méandres de la fameuse "(il)logique capcom", moins pour la satisfaction de découvrir le dessous des affaires (vu le nombre de retournements invraisemblables en cours de procès, il est assez rare de pouvoir tout déduire tout de suite) que pour savourer la mise en scène des procès et les dialogues... Evidemment, il y a parfois des trous énormes dans les argumentaires, et on se tape la tête contre la table face à la "logique implacable" des plaidoiries qui oublie volontairement des éléments évidents, ou prend de suite pour évidentes des théories à priori complètement fumeuses, ou on ronge son frein en attendant que le script atteigne le point ou on pourra balancer à la face du criminel arrogant la preuve déterminante qu'on a déjà trouvée il y a des heures...mais qu'importe!! Pourvu qu'on ai l'ivresse de ces fameux "retournements" (gyakuten) qui transforment le tribunal tantôt en théâtre, tantôt en arène....

 

 

KILLZONE (PS2)

 

En ce moment je joue à KILLZONE sur PS2. Eh wouah
Ca saccade terriblement et c'est un doomlike tout ce qu'il y a de basique, scripté à l'envi avec un scénario et des persos bateau comme pas deux (quoique quelques lignes de dialogue bien écrites et marrantes dans le genre), mais c'est justement pour ca que ca passe: c'est plutôt rythmé, et ca détend bien (et j'avais la flemme de chercher mieux).

EDIT: le post du camarade ci-dessus me fait penser que la notice de KILLZONE est très sympathique, se voulant une copie d'un journal en temps de guerre....et le serait encore plus si elle n'avait pas été traduite sous google, avec des phrases insensées et parfois des phrases - voire des paragraphes entiers - tels quels en anglais qui surgissent au coin des pages... "troupes de l'ISA rapportez les casualties lourds" : encore bravo.

 

COLD FEAR (PS2)

 

Je viens de finir COLD FEAR, petit survival horror français si je ne m'abuse (la VF est d'ailleurs très sympathique, avec le petit côté "série B" qui va bien).

L'environnement est un peu celui d'un MGS2: on commence sur un bateau pour finir sur une plateforme pétrolière, mais les spetznaz et autres GIGNeux sont remplacés par des matelots membres de la mafia russe puis peu à peu par d'autres créatures encore moins recommandables. Ca se joue à la 3e personne et on peut avancer tout en visant, à la Biohazard 4.

Peu motivé par un démarrage aussi poussif que la maniabilité, j'ai un peu poussé et finalement c'est bien sympathique: sans prétention, durée de vie assez faible (7h en easy), mais bon rythme, combats sympas grâce au "pistolet à gaz" qui permet d'attirer les vilains (matelots, zombies, zombies-matelots, "aliens", zombies-matelots-aliens, etc) sur des barils explosifs et autres valves pyromanes...
J'ai bien aimé le fait que le jeu n'en "rajoute" pas: pas trop-trop d'allers retours (heureusement car il n'y a pas de carte des lieux), pas de surenchère de niveaux toujours plus longs à ennemis toujours plus nombreux qui plombaient un peu la fin de l'excellentissime Biohazard 4, PAS D'ENIGME INSUPPORTABLE et pas de fin à rallonge pour tenter de faire passer un scénario de toute façon débiloïde (c'est le genre qui veut ca après tout...).

Les graphismes sont plutôt corrects (surtout les effets de tempête en extérieur), l'atmosphère est gentiment glauquounette et parfois un brin potache donc, et malgré la durée de vie peu élevée, la difficulté est au rdv (je suis mort un paquet de fois..)..

Un bon petit cocktail serré, léger et frais, comme un 'tit punch en fait (que j'ai consommé en abondance tout au long de l'aventure...)

 

THE CHIKYUU BOUEIGUN 2 (PS2)

Dimanche dernier, avec un ami, on a lancé ce fameux THE CHIKYUU BOUEIGUN2 sur PS2, que j'avais pris au Japon à tout hasard en même temps que RYUU GA GOTOKU.
15 euros le jeu neuf (THE SIMPLE SERIES vol. 81), c'était pas eurotunnel comme investissement....

Bref, on a passé 8 heures d'affilée dessus, le truc qui ne m'était pas arrivé depuis des lustres (accompagnés il est vrai d'une bonne bouteille de tord boyaux), et on a arrêté à la mission 38 quand on a compris que la fin était encore loin, bien loin devant nous (et qu'il était 4h du mat' avec boulot à 8..)

La tranche de vie sans intérêt mise à part, je ne saurais trop vous conseiller ce jeu, très jouissif et défoulant, surtout à deux!

Pour mémoire, il s'agit d'un beat em all à la Probotector 3D (ou ARMY MEN, ou tout autre, d'ordinaire je ne suis pas très amateur de ce type de défouloir), dans lequel on défend la terre envahie par les extraterrestres à l'aide de son petit soldat piéton ou de sa petite soldate en jet-pack. Avant la bataille, on fait son choix dans l'arsenal, choix qui s'élargit au fur et à mesure qu'on récupère de nouvelles armes sur le champ de bataille (fusils mitrailleurs, shotguns, grenades, missiles, lasers: le choix est large, et avec les variations de modèles pour la même arme, il en existe plus de 150 différentes, chacune dotée de ses propres caractéristiques : fréquence de tir, puissance, portée, nb de munitions par chargeur, vitesse de rechargement - il se fait automatiquement - , gabarit, taux de précision et vitesse pour les missiles, etc etc).

 Nanti de ses deux pétoires (utilisables alternativement), on s'en va affronter les hordes de fourmis géantes, rampantes ou volantes, d'araignées gluantes, de soucoupes volantes miniatures ou géantes, de godzillas de l'espace et autres machineries étranges .... L'ambiance est assez "guerre des mondes", ca défouraille à tout va car les vilains sont nombreux, les stages sont vastes et variés (villes, grottes, plages, etc etc) et reprennent parfois des villes connues (Londres...), entièrement "démontables": les immeubles s'effondrent sous les tirs de roquettes dans de grandes gerbes de fumée et de verre brisé, c'est vraiment "terre champ de bataille" (mais en mieux, hein, pour ceux qui connaissent ce glorieux nanard travoltien..).
Graphiquement, rien d'extraordinaire (15 euros...), mais le jeu s'en tire pas mal, surtout pour les créatures, les explosions et les effets de masse sur les bâtiments ruinés par nos interventions salutaires de désamiantage... A tout prendre, vu le rythme de l'action, la simplicité étant de toutes manières ce qui sied le mieux à ce jeu ( pour tout dire, suite à un léger problème technique, on a passé la moitié de la soirée à jouer en noir et blanc....sans ressentir la moindre gêne d'ailleurs, sauf pour les couleurs des loupiottes sur le radar...)


A part ca, on se déplace avec le stick gauche et vise avec le droit, plus quelques "subtilités" (bien que le mot ne convienne pas vraiment à ce jeu) dans les déplacements: roulades pour monsieur, vol pour madame tant qu'il y a du carburant..

A deux en coop (écran splitté), le jeu prend toute sa substance avec les inévitables "friendly fire", le bordel innommable et les habituelles stratégies tordues qui échouent lamentablement la plupart du temps ("alors, tu les contourne par les airs, et tu t'occupe des nids de fourmis pendant que je les retiens - ...ok, ca y est , je vois le nid!!! Je balance un missile - attends, ca c'est pas le nid, c'est un tas de cadavres de fourmis, et derrière c'est m.... ...meeeerde..."; etc )


Le jeu propose 5 niveaux de difficulté, et seul ou à deux il y a largement de quoi faire. Sachant qu'à deux et dans les niveaux les plus "chauds", il convient vraiment de s'entendre, de se partager le travail et d'effectuer des choix complémentaires dans la sélection Monsieur/Madame et des armes à emporter...


Bref, je m'emballe peut être un peu, mais on a vraiment pris un pied monstre à dégommer ces vils insectes et ces sacs à boulons: aussi vu le prix de la chose, n'hésitez pas!


PS: Spéciale dédicace aux fourmis géantes, leur muccus jaunâtre et leurs hurlements de douleur....Je vous kiffe les copines...

XENOSAGA EPISODE 2 (PS2)

Ecrit par antonz, le Mercredi 25 Janvier 2006, 21:02 dans la rubrique "Divers".

Repondre a cet article